Bruegel au coeur d’une exposition à l’Albertina à Vienne

Notre curiosité nous conduit à Vienne, aujourd’hui capitale de l’Autriche au passé flamboyant. C’est là que se trouve l’Albertina, somptueux palais devenu musée, qui dévoile ses collections. Une exposition centrée sur Bruegel vient d’y débuter. Elle se déroulera jusqu’au 24 mai 2023, son titre Bruegel et son temps.

Près de 90 oeuvres y sont présentées, dessins de Bruegel bien entendu, mais aussi de Jan de Beer, Hendrick Goltzius et autres artistes de cette école du Nord.

Pierre-Alain Lévy

À la rencontre de Pieter Bruegel dit aussi Bruegel l’Ancien

Pieter Bruegel l’Ancien vit à une époque d’une grande richesse et de créativité artistique. Son œuvre est marquée par un large éventail de motifs : outre les représentations célèbres de la vie paysanne, elle comprend de vastes paysages, des diableries mystérieuses et des satires socialement critiques.

Bruegel s’inscrit ainsi dans une famille d’artistes néerlandais tels que Hieronymus Bosch, Jan de Beer, Maarten van Heemskerck ou Hendrick Goltzius, qui innovent radicalement les conventions picturales établies au XVIe siècle. Dans un précédent article (cliquer) consacré à Dürer et publié dans WUKALI, nous avons aussi pu découvrir les oeuvres de quelques uns de ces grands artistes. Si les thèmes religieux et les portraits ont longtemps déterminé la production artistique, l’aube du début de l’ère moderne introduit une abondance de motifs.

Faisant preuve d’une inventivité et d’une technicité extraordinaires, les artistes de cette période créent des images d’un monde en pleine mutation. La montée de la classe moyenne, la Réforme ou le conflit avec les Habsbourg espagnols conduisent à une réévaluation fondamentale des normes sociétales. Des questions politiques et sociales controversées sont également abordées dans les œuvres d’art de l’époque. Compte tenu de l’évolution de la situation politique, de nombreux maîtres importants comme Hans Bol, Jacques de Gheyn II ou Roelant Savery changent de lieu de travail plusieurs fois au cours de leur carrière : ils passent des villes du sud des Pays-Bas aux centres du nord, vont en Italie comme Jan van der Straet, ou voyagent beaucoup à travers l’Europe comme Joris Hoefnagel. Malgré la division en nord et sud officialisée en 1579, les Pays-Bas restent donc une région culturelle vivante, marquée par les échanges et le dynamisme.

Le dessin en particulier trouve un large éventail d’applications au cours de ces années, que ce soit dans les cartons pour les fenêtres des grandes cathédrales et des résidences privées ou dans les dessins pour les objets de luxe précieux, les peintures et les gravures. En même temps, les dessins attirent une attention nouvelle en tant qu’objets de collection parmi l’élite cultivée. L’exposition présente quelque 90 œuvres issues du riche fonds de l’Albertina, illustrant le large éventail du dessin dans les Pays-Bas du XVIe siècle. Les feuilles sélectionnées mettent en évidence l’impressionnante originalité de Bruegel et de ses contemporains, offrant ainsi l’occasion d’explorer cette époque colorée de l’art européen.

De l’utilisation du clair-obscur

Vers 1500, la ville d’Anvers se développe pour devenir un centre marchand international. La ville devient l’une des métropoles les plus peuplées de son temps et s’impose rapidement comme un foyer artistique. La guilde locale des peintres réglemente la production de ses membres, dont les œuvres sont très demandées au-delà des frontières des Pays-Bas.

À cette époque, les dessins dits en clair-obscur connaissent un grand succès : un fond coloré ou un papier teinté avec des pigments forme le milieu entre les lignes claires et les lignes sombres de la représentation. Ces œuvres sont populaires en tant que feuilles de modèle, copies de compositions plus anciennes ou preuves de compétences artistiques. Outre des maîtres renommés tels que Jan de Beer, plusieurs maniéristes anversois anonymes se distinguent dans ce domaine. Leurs tableaux se caractérisent par une architecture fantastique, ainsi que par des personnages allongés aux gestes exaltés et aux robes somptueuses.

Quelques années plus tard, le Maître du Château du Liechtenstein expérimente cette technique. Par ailleurs, les dessins sur fonds colorés sont fréquemment employés comme modèles pour les vitraux en raison de leurs subtils effets de lumière et de contraste. Ces modèles de vitraux vont de la caricature monumentale à la feuille de petit format. Grâce à des lavis fins, tels que ceux utilisés par Dirck Vellert, ils deviennent des œuvres d’art à part entière.

La mise en scène de la vie quotidienne

Divers motifs de la vie quotidienne sont élevés au XVIe siècle au rang de sujets jugés dignes d’être représentés et jouissent d’une grande popularité sur le marché de l’art. L’artiste et historiographe contemporain Karel van Mander fait une distinction entre les créations « issues de l’imagination » et les représentations « de la vie ». Il différencie ainsi les images composées par l’artiste à partir de sa mémoire, et celles créées immédiatement au moment de la vision. Les compositions très élaborées, comme le Printemps de Pieter Bruegel ou La procession des épileptiques de Molenbeek, montrent apparemment des scènes de la vie réelle. Mais en fait, elles combinent’observé et l’inventé. D’autres œuvres comme les études de Roelant Savery, qui sont accompagnées de notes détaillées sur les couleurs, ou la Femme assise avec son enfant de Jacques de Gheyn, sont d’abord esquissées dans le médium spontané qu’est la craie noire ou le fusain et sont très probablement créées juste devant le modèle vivant.)

Par ailleurs, les scènes de commerce et de marché constituent également un genre distinct. Outre le fait qu’elles rendent compte de la réalité observée, ces représentations ont souvent une connotation moralisatrice : elles abordent des questions fondamentales telles que la manière adéquate de gérer l’argent et les biens, une préoccupation centrale dans le milieu bourgeois de l’époque.

Costumes, robes et uniformes

Les costumes de toutes sortes constituent un thème important du dessin aux Pays-Bas. Lors des fêtes de cour ou des entrées triomphales des souverains et des régents, des robes et des attributs splendides servent à la démonstration du pouvoir. Les artistes de l’époque répondent au désir de grandeur de leur clientèle noble par des dessins imaginatifs. Dans les contextes militaires, la représentation des uniformes et des armes d’apparat est une tâche essentielle pour les dessinateurs. Les sources utilisées pour ces feuilles sont fréquemment les livres de costumes répandus au XVIe siècle, qui décrivent la mode de différents rangs sociaux, régions et époques. Pour le théâtre de l’époque, les études de costumes constituent également une ressource importante. Les chambres de rhétorique, par exemple (sociétés informelles de divers groupes professionnels dédiés à la production de textes littéraires), organisent des processions et des représentations plusieurs fois par an. C’est ainsi que les personnages richement costumés portant leurs symbole sont basés sur des modèles dessinés et sont à leur tour documentés par le biais du dessin. En fonction de leur contexte de création, les feuilles conservées vont de rapides esquisses à la plume, comme l’Homme au costume fantastique de Jacob Matham, aux costumes de cour de Lucas van Valckenborch, aux détails impressionnants, qui peuvent également être considérés comme des œuvres d’art autonomes.

De monstres et de créatures hybrides

Les images de créatures hybrides monstrueuses jouissent d’une grande popularité aux Pays-Bas tout au long du XVIe siècle. S’inspirant du vocabulaire formel de l’enluminure médiévale et de la sculpture des cathédrales, Hieronymus Bosch popularise le genre à l’aube du début de l’ère moderne. Alors que des esquisses spontanées permettent de se faire une idée de son processus de travail artistique, le maître, actif dans le Brabant, crée dans l’Homme-Arbre l’un des premiers dessins autonomes de l’art des Pays-Bas.

Aussi les œuvres de Bosch deviennent rapidement des pièces de collection appréciées au-delà des frontières du pays, et son œuvre est largement reçue dès son vivant. Nombre de ces diableries ont un contenu moralisateur et comportent souvent des sous-entendus comiques, fascinant le spectateur par leur étrange diablerie. Outre de nombreux maîtres anonymes, des artistes tels que Pieter Bruegel ou Jacques de Gheyn empruntent aux inventions de Bosch, adaptant créatures hybrides et paysages infernaux à leurs propres fins picturales. Des thèmes connexes tels que la Descente du Christ dans les limbes, le Jugement dernier ou Les sept péchés capitaux offrent l’occasion de créer des compositions fantastiques toujours nouvelles, si recherchées sur le marché de l’art.

Histoire et Présent

La lutte des Pays-Bas pour l’indépendance contre le règne catholique des Habsbourg du roi Philippe II d’Espagne au XVI^è siècle est étroitement liée aux questions de la foi. Elle est également cruciale pour la production artistique de l’époque. Dans les centres urbains, des mouvements luthériens ou calvinistes prennent racine et relient les préoccupations sociopolitiques aux efforts de renouvellement théologique. À partir de 1566, un conflit ouvert éclate entre les adeptes de l’ancienne et de la nouvelle foi. La conviction des réformateurs que les représentations du Christ, de Marie et des saints comportent toujours une menace d’idolâtrie déclenche des émeutes iconoclastes dévastatrices. D’innombrables œuvres d’art religieuses sont détruites dans les églises et les monastères du pays. Pour aborder ces conflits sous la forme de thèmes visuels sans être victimes de la stricte censure des autorités espagnoles, les artistes se retranchent derrière des événements tirés de la Bible ou mythologiques, établissant un lien avec le présent. Grâce à l’intemporalité de leur contenu historique, ces œuvres touchent une corde sensible chez les adeptes des deux religions.

Plusieurs maîtres néerlandais montrent également un grand intérêt pour les formes de l’Antiquité et de la Renaissance italienne : Maarten van Heemskerck et Maerten de Vos se rendent à Rome, tandis que Jan van der Straet passe une grande partie de sa carrière à Florence.

Oeuvres à la plume et portraits

Dans les  » penworks « , une technique de dessin spécifiquement néerlandaise qui apparaît à la fin du XVIe siècle, le travail du trait de la gravure est imité par des lignes gonflées et amincies, des traits parallèles et des hachures denses. Souvent exécutées sur du parchemin, ne permettant aucune correction, ces œuvres exigent un contrôle total de la plume et servent de vitrine à la virtuosité artistique. L’empereur Rodolphe II compte parmi les grands collectionneurs de ces feuilles. Ainsi, actifs à Haarlem, Hendrick Goltzius et son beau-fils et élève Jacob Matham, ainsi que Jacques de Gheyn créent des chefs-d’œuvre de dessin de grand format dans un large éventail de thèmes. Dans le sud des Pays-Bas, Johannes Wierix et son cercle portent le travail à la plume à la perfection absolue, en utilisant les plus petits formats. Les fiers portraits d’artistes de l’époque témoignent du statut de ces maîtres, qui se distinguent avec assurance des simples artisans en se présentant comme des bourgeois instruits. Bien que le portrait ne soit plus l’apanage des classes sociales les plus élevées, la représentation des souverains reste une tâche centrale de l’art du portrait.

Une vue du monde

Dans la seconde moitié du XVI^e siècle, l’art du paysage s’impose comme un genre de dessin distinct. Dans le cadre d’une vision du monde de plus en plus façonnée par l’observation de la nature, les vastes panoramas montagneux et les vues détaillées de villages ou de villes gagnent en popularité dans toute l’Europe en tant que produits typiquement néerlandais. Ainsi, des publications richement illustrées décrivent les caractéristiques géographiques, historiques et culturelles de certaines villes et régions.

Des artistes comme Joris Hoefnagel, en contact étroit avec des cosmographes et des éditeurs, voyagent loin et créent des dessins élaborés pour des compendiums imprimés. En revanche, le Panorama de Naples de Jan van Stinemolen impressionne par son format monumental et son exécution détaillée, documentant le statut indépendant du dessin à cette époque.

Hans Bol et son élève Jacob Savery ont également eu un impact important sur la représentation des vues de villes : leurs œuvres, qui sont des chefs-d’œuvre recherchés, représentent un équilibre entre la précision topographique et la construction esthétique. Les paysages du maniérisme tardif sont typiquement exécutés dans une palette de couleurs brun-bleu. C’est ainsi que créés par le cercle de Gillis van Coninxloo ainsi que par Tobias Verhaecht, Jan Brueghel ou David Vinckboons, ils représentent des vallées de montagne idéalisées et des vues rapprochées d’intérieurs de forêts, animées par des scènes narratives à personnages ou vidées de toute présence humaine. Les motifs empruntés à la réalité sont ainsi habilement imbriqués dans des formes stylisées.

Le maniérisme du Nord

En 1579, un processus de division politique formelle commence, divisant les Pays-Bas en un nord réformé et un sud catholique gouverné par l’Espagne. La reprise d’Anvers, entre-temps protestante, par les Habsbourg espagnols entraîne une phase de récession dans le sud des Pays-Bas, ainsi qu’une baisse sensible de la population et une augmentation de l’émigration vers le nord. Là, Cornelis Corneliszoon van Haarlem ou Abraham Bloemaert, travaillant à Utrecht, créent des études de composition et de figures dynamiques qui, par leur physique musclé italianisant, leurs poses tordues et leurs raccourcis audacieux, s’inspirent d’un idéal maniériste tardif. Les impulsions viennent également de l’écrivaine et artiste Karel van Mander, qui, après avoir voyagé dans toute l’Europe, quitte sa patrie flamande pour s’installer à Haarlem.

Les dessins de Joachim Antoniszoon Wtewael pour un cycle de vitraux dans l’hôtel de ville de Woerden sont directement liés aux événements politiques de l’époque, décrivant de manière allégorique la lutte entre les Pays-Bas personnifiés et l’occupation des Habsbourg. Avec leurs lavis nuancés, leurs éclairages élaborés et leurs effets de clair-obscur richement contrastés, les œuvres de Wtewael sont des exemples exceptionnels de la finesse technique du maniérisme nordique.

Avec l’aimable collaboration pour cet article
de Laura Ritter, conservatrice et commissaire de l’exposition à l’Albertina museum
et de Serena Ligas, assistante

Illustration de l’entête: la foire de la St Georges. c 1557 c1561. Pieter Bruegel

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